98岁中国书画界泰斗陈佩秋今晨意外辞世

澎湃新闻获悉，中国书画界泰斗陈佩秋先生于2020年6月26日凌晨三点仙逝，享年98岁。

陈佩秋

中年时期的陈佩秋

陈佩秋和谢稚柳

陈佩秋，女，1923年2月出生，河南南阳人，字健碧，室名秋兰室、高华阁、截玉轩。陈佩秋为上海大学美术学院兼职教授、中国美术家协会会员、上海中国画院艺术顾问、上海美术家协会艺术顾问、上海书法家协会艺术顾问、西泠印社理事，也是第六届上海文学艺术奖的终身成就奖获得者。

陈佩秋先生在花鸟、山水、工笔画、书法等方面的成就都达到了相当的高度，被誉为卧枕宋元、融汇中西。她早年曾以山水为起点，上世纪50年代后专攻花鸟，画风浓丽秀美，格调委婉含蓄。上世纪90年代，她探索细笔青绿山水，吸收西画光、色的表现技巧，别开生面。她晚年的青绿山水大多用彩墨写成，开创了彩墨结合的中国画新风。她的艺术创作出入古今之间，做到了“笔墨当随时代”，载入中国近代绘画史册，并将中国女性画家的绘画成就抬升到新的高度。

谢稚柳与陈佩秋之子谢定伟今天上午8点46分在朋友圈发布讣告。他悲痛地表示，上午8点他刚从医院赶回家中，今天凌晨母亲的意外辞世实属突然。疫情以来，她闭门不出，也不接待任何宾客，近期身体状况良好，也经常进行创作。

陈佩秋是声闻全国的书画大家，是海上画坛的一面旗帜，更是当今国内文化艺术界的标致性人物。她的画作由宋元入手，更能吸取各家之长，融合中西，独成一格。新中国成立以后，陈佩秋来到上海市文管会工作。在文管会，她有机会一睹历代画坛名家的大作，如鱼得水。上个世纪五十年代，陈佩秋成为上海画院最年轻的画师。两年后，她以一幅《天目山杜鹃》获上海市青年美术作品展览一等奖和全国美术作品展览二等奖，确立了在画坛的地位。

在中国改革开放后，陈佩秋对周遭的新事情有了新的观察和感应。除了依旧坚持临摹古画，她开始关注西方的艺术。陈佩秋不断地改变自己的风格，她欣赏马奈、雷诺阿及德加闪烁的颜色和精炼明确的笔触，并参照了印象派的用色于中国传统画上。在陈佩秋成熟时期的作品中，西方艺术带来的影响益发明显见于山水画和用色方面。

陈佩秋作品

徐邦达关门弟子徐涵明在前言中写道：“1976年后，国门顿开，夫人兴致渐移于汇通中西，变法求新。一时如法国印象派大师马奈、雷若阿者，皆为夫人所赏。受此启发，画境又变，愈重写生，设色豪放。尝作山水如《松亭纳凉图》、花鸟如《碧涧幽栖图》、《翠竹蓝鹊图》，下笔形真景实，凝炼精凖;用色闪明鲜亮，饱满清晰。画作阔笔淋漓，笔墨华滋，略异正统，别有一功。”

陈佩秋认为艺术创造贵乎“新”和“难”。她本身的艺术根基立足于传统，她对创新的观念是相对而言的:没有旧就没有新。她细心钻研国画的绘画元素，用精炼的线条和传统的笔墨，配合启发自西方绘画的色彩运用去描绘景象的质感、体积和动感。她认为“新”是要经过知识和技巧的累积，而经验的累积和驾驭技巧是费时费力的，这曲折艰难的过程就是“难”。

陈佩秋作品

从20多岁到90多岁，从学生到大家，陈佩秋始终坚持临摹、写生这艺术创作中不可缺少的最基础的功课，从未懈怠。她曾在接受采访时表示，“我的写生稿不是成百上千张，而是几十本上万张，光是兰花的写生集子就有十几本。直到现在，我有时还翻翻写生稿，它会重新唤起记忆，对创作很有启发。”

陈佩秋作品《松亭纳凉》

陈佩秋作品，书王安石诗

陈佩秋写生作品

2017年6月的一个夜晚，“澎湃新闻·艺术评论”（www.thepaper.cn）与上海美术学院“上美讲堂”拜访陈佩秋先生，先生精神奕奕地和我们讲述了中国画的发展、写生的重要性和书画鉴赏知识，说到兴起陈佩秋先生或翻开速写本讲敦煌写生的经历，或转身去书架寻找可以对照的画册……“澎湃新闻·艺术评论”整理陈佩秋先生提及的内容，以展示其对中国画的看法。

2017年，陈佩秋在修改澎湃新闻的采访稿件

陈佩秋

符合“六法”的作品才能被成为艺术品

长沙出土过3000多年前战国时期的帛画，一件是描绘女性的“人物龙凤图”一件是描绘一位男性的“御龙人物图”；也有“文革”时期出土的西汉初期的马王堆汉墓，墓中一具女尸生前是一位二十多岁的女性，吃东西时梗死了，出土时皮肤仍有弹性。马王堆汉墓帛画就比3000多年前战国时期的绘画更工整精细，人物塑造也更准确，比如棺材山盖着一层丝织品，像一面旗子。这三件作品目前都在湖南长沙博物馆，有文物价值和历史价值。

陈佩秋作品

中国画讲求“六法”（气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写），其中“气韵生动”起到总结概括的作用，如果对于一幅画作，其余五条都做到了，就可以被称为一件艺术品，既然被称为一件艺术品，那么也就必然“气韵生动”了。现在国外有许多画家认真研究中国画，美国所有博物馆或大学中的教授全是研究中国画的，欧洲相比较而言偏落后了一些。画是画，艺术是艺术，画到了艺术的时候它就是艺术品，但是不能说每张画都是艺术品，因为艺术是有规范的，艺术规范就是“六法”，都做到了即为艺术品。

郭熙 《早春图（局部）》

对于北宋时代的著名画家，现在看得见的作品都是好的，花鸟如此，山水亦如此。但是“宋四家”之一的郭熙，我认为他的画不是艺术品，这是我研究多年后才敢说的话，哪怕是最有名的他亲自题款的存于台北故宫的《早春图》。

抗日战争结束后，南京博物院办过一个画展，那时我们（浙大和美术学院的学生）从杭州玩到上海，再到南京去看。里面挂着郭熙的画，其中还有一幅是假的（出自明代一个写字的人）。

相比而言，范宽是代表画家，但郭熙不是，郭熙出名早，当时太后的宫里挂满他的画，后来宋徽宗当政后就把他所有的画都扔了。大家都说郭熙好，但因为我看见过真的作品，而且我也有从台湾买的一本台北故宫博物院出的郭熙的画集，所以很坚定自己的观点，甚至觉得假画都比原画好。范宽的画作从大到小无可挑剔，真的厉害，非常小的内容放大后看仍然很精细。

范宽 《溪山行旅图（局部）》

文艺复兴相当于明代，中国画比西画丰富得多

美国五大博物馆很佩服中国的艺术，收藏了许多中国的古画，是很早之前从国内流出去的。西方的文艺复兴在16世纪，相当于中国的明代，达芬奇的《蒙娜丽莎》也在此时出现。我在巴黎住了三周，就为了去凡尔赛宫、卢浮宫等博物馆看画，看了《蒙娜丽莎》，也觉得印象派的色彩很好。16世纪可谓西方绘画的顶峰时期。

西方绘画是块面造型的，中国绘画是点、线条、块面相结合的。我觉得中国画的笔法比西方油画多得多，因为我们的毛笔是锥形的，笔尖可以画点与线，侧锋可以画面，所以我们点线面都有，点的不断延续就构成线条，不断的线条在一起便会构成块面，点线面都是根本；而西方的油画刷则是用来做块面造型的。除此之外，西方是焦点透视，即从一个点看出去，而中国画则可以从山下一直画到山的顶端。

中央美院相对偏重油画，中国美院的第一任院长是林风眠先生，他后来拜了齐白石先生为师。齐白石的画作和吴昌硕的相似，都是一个派别的，但是潘天寿先生并不主张一定要跟从他们这一派。其实吴昌硕师从上海浦东画家蒲作英，吴昌硕纪念馆中也挂了老师的绘画，而且吴昌硕的画作也与蒲作英相似。因此构成了三代上海海派画家，第一代是任伯年，第二代是吴昌硕，第三代是吴湖帆。16世纪西方绘画的鼎盛时期仍注重人物画，而中国画山水、人物、花鸟各种门类已经非常丰富，而且研究得非常细致。

陈佩秋作品

绘画是个苦差事，临摹和写生皆不可少

画画，一定要去写生，还是要看真的东西。

临摹的意思是：人家画好了你去看着临，并将它拷贝下来，他画得是什么样子你也就画成什么样子，其实就是拷贝。

比如画“竹”，我看到一幅模仿我的假画，我一看就说这个画者根本没有写过生。

其实国画应该从写生开始练起，画写意画的人也需要去写生。一节一节的竹子中间是空心的，所以枝岔是交替生长的，因为如果只长在一边，那么这根竹子很快就会倒下；而且他画的蝴蝶只有翅膀没有肚子。这种画一看，就能知道画者有没有生活。

陈佩秋写生作品

绘画是一个苦工作，不是画者自己一厢情愿地画，之前必须有写生的工作。我有两个大抽屉，里面大大小小的本子都是我用来写生的，一开始用铅笔或钢笔，后来改用毛笔，因为毛笔可以画点线面。

我去写生的时候，就是带着一个盒子，里面装着一支砍去后半截的笔头、一罐水、一罐墨汁和两个小碟子。年轻的时候我们画院有一大片自己种的葡萄，我在里面可以坐一天，从小的葡萄怎么一串一串地结成，到各种各样的叶子，每一幅写生的构图都是完整的。

中国画制假古来有之，鉴定作品首先要会看

中国画家很宽容，看见假画一般不会打官司，但是国外画家就会很认真，因此中国有很多《宋画全集》里的画有一半以上是假的。但是这也不是现在才出现的问题，南宋高宗写的《书史》在一开头的时候写到：王羲之说，我现在人活着，怎么就已经有假的字了。其实像我过去做学生的时候，很多出名的大画家就有假画在市场上流传。宋徽宗有一幅叫做《瑞鹤图》的画，现存于辽宁省博物馆。画中的汴梁宣德门左右有两个高大的鸱尾，五代宋初时候的宫殿就是这样画的，鸱尾的造型来源于一种尾巴形状很特别的水鸟。因为宫殿的屋梁是木制的，容易着火甚至烧毁，所以在两边建造鸱尾。但是到了元代，鸱尾就做不成了，因为北宋五代的宫殿特别规矩、特别准确，最出名的就是五代末期至宋代初期的著名画家郭忠恕，他用尺丈量的宫殿就很准确。

宋徽宗写过瘦金书，但是假的瘦金书非常多，有几件赝品现在在美国，很多人都看不出来，只是觉得很像，因为他们自己并不会写字。鉴定作品的真假首先要会看画，我常常教别人如何去看，教会了别人，就可以大约辨别市面上绘画的真假了。

我们可画的内容很多，真真假假的也很多，但我们需要把它们理清楚，其实相差很大，真画很生动、很准确。而且我们有印章，国外没有，比如宋徽宗的皇帝印章，就只有几方，不可能很多。铅印官都打得非常准确，那些粗糙的全是假的。

陈佩秋作品

“六法”为中国画标准，绘画传统有好有坏，于好的传统而言，以下几个方面需要达到：第一个是色彩，即“随类赋彩”；第二个是写生，即“应物象形”；第三个是构图，即“经营位置”；第四个是“传移模写”，好的东西就去临摹，比如在凡尔赛宫、卢浮宫，很多人在临摹；第五个是“骨法用笔”，就用一支笔，点线面都可以做到。

我在美国看的堪萨斯州纳尔逊艺术博物馆中的董其昌画展，馆长是一个华人，也是个外国通，他对董其昌佩服得五体投地，董其昌进士出身，所以文章写得好，后来还做过太子太傅，但这个人的品德较差。

那时候在堪萨斯州展览，马路上隔几米就有一根挂着董其昌画像的广告旗电线杆。他们在楼下开会，我就跑到楼上去看董其昌和宋代的画。南宋的时候有四个著名的画家，合称“刘李马夏”，分别是：刘松年、李唐、马远、夏圭。其实李唐不应概括在其中，因为李唐当时已经80多岁了，他是北宋画家，画法和南宋画家的风格不同，但比其他三个人好。

陈佩秋作品

美国大都会艺术博物馆有他的《晋文公复国图》，真得非常好，而且很全能，什么都画得好。他在北宋宋徽宗时期画了一张《万壑松风图》。绘画人的手上功夫就是按照“六法”去学，画好了自然“气韵生动”。笔墨好是指点、线、面都画得好，比如画山，有浓有淡，而且边缘很准确，因为笔拿在手里很挺括。学校里用的本子大一些的印刷品可以看，好坏看得多了，线条的好坏自然就看出来了。很早以前并不画块面，都是线条，但夏圭的《西湖十二景》就是点线面都有。全部都是线条造型也不好看，仍然需要点子和块面，因为画一个事物需要很准确。

对于年轻的中国画学习者而言，国画“六法”应该做到，如果希望自己的画成为艺术品，就应该跟从这样的标准。除此之外，还应该多学学古画，因为历代都有好东西，了解之后，自己才可以拔高。